如何看懂大师绘画：解析百位巨匠的创意、技法与代表作_(英)苏茜·霍奇著_9787577200521

本书精心选取了艺术史上从古至今的100位大师及其代表作，通过解析其作品的构思与创意、风格与技法，引领读者真正体会杰作的震撼之处，并领悟大师的伟大所在。达·芬奇的构图、卡拉瓦乔的光影、透纳的空气感、马蒂斯的色彩、塞尚的体积感、托姆布雷的抽象……作者将为您一一解读。

绘画高手养成攻略，98位艺术家的经典画作全收录：

本书解析了艺术史上98位艺术家的100幅绘画作品，让读者了解它们最引人入胜之处。读者会了解到这些绘画大师们擅长什么，他们的创作方法，我们如何欣赏作品，可以从他们身上学到什么。通过启发性的解读，你可以更理解达·芬奇的构图、卡拉瓦乔的光影、透纳的空气感、马蒂斯的色彩、塞尚的体积感、托姆布雷的抽象……

从颜料、构图、轮廓、细节入手，分类清晰：

本书贯穿世界艺术史，涵盖了绘画中重要的类型：裸体、超现实、风景、静物、头像、幻想和抽象。书中精选的杰作皆是绘画中某一特质的经典范例：轮廓、构图、明暗、形式、空间、节奏等，分类清晰、图解单元完整，深入浅出，从而提高读者对绘画的欣赏水平。

3.每幅作品包含详细基础画材、辅助工具、绘画步骤，从技法层面读懂绘画：

书中的每幅艺术作品除了背景解读、艺术家生卒以及绘画细节的呈现，还增加了详细的绘画步骤、基础画材以及辅助工具的使用，搭配构图、色彩、明暗、线条等画作知识点，给予绘画实践以启发。本书可以说是一本不可多得的综合介绍绘画历史、相关知识、作品赏析和绘画实践的艺术指南。

4.书末附有详细术语表、名词解释、图片来源，便于查阅学习：

书末将所有提及的艺术绘画经典术语进行名词解释，包括绘画流派、绘画风格、绘画技法、艺术思潮以及艺术运动等等，实用直观，一目了然。特别收录常见术语，让艺术小白也能轻松入门绘画艺术，看懂大师作品，轻轻松松提升艺术品位。

5.专业出版方和作者背书：

这本书由拥有46年历史的国际知名出版集团Quarto出品，其图书被翻译成40多种语言，畅销全球50多个国家和地区。作者苏茜·霍奇（Susie Hodge）是英国销书作家、艺术史学家及艺术家。在艺术、艺术史及艺术技法等领域已出版百余本著作，包括《现代艺术生存指南》《艺术的源代码》《艺术的细节》等。此外，她还主持讲座、访谈及艺术研习班，并曾参与多部纪录片的制作。苏茜曾两度在《独立报》举办的艺术类作家评选中位居榜首，具有丰富且扎实的现代艺术学知识背景。本书专业性强，行文流畅，语言活泼易懂，兼具现代艺术专业价值和现代艺术知识科普的可读性。

人类在尚未发明文字之前便已开始绘画，一些在山洞中和岩石上发现的最古老的绘画遗迹至少已有40000余年的历史。因为画家的作品总是带有其所处时代的文化与社会烙印，所以通过研究不同时代画家的作品，人们也有机会一窥社会文明的发展与变迁。绘画横跨不同文化、种族、宗教、性别和年龄，我们可以将其视为一种沟通手段、一种无声的抗议、一种鞭辟入里的调查，又或者无须如此复杂，仅将其当作一种华美的装饰品。绘画不仅可以引起激烈的争议，也可以唤醒澎湃的情感与久违的回忆。甚至绘画本身就足以使人陶醉：画面中的色彩、对象、绘画风格和绘画技巧等，都可以为我们奉上一场美的飨宴。

就我们所知，人类是唯一一种不为实际用途也会进行艺术创作的动物。蜘蛛会结网，蜜蜂会筑巢，然而这些行为都处于实际的考虑，与它们自身的存亡紧密相关。与之相对，虽然绘画也可能具有一些现实意义—比如反映现实社会，但画家创作的本意却可能仅仅是寻求艺术享受。由于绘画受到时间、地点以及画家偏好、理念、风格等诸多因素的影响，最终呈现在观者面前的绘画技法及材料千差万别。然而绘画的魅力也正在于此：人人都可以绘画。虽然不是每个人都可以成为绘画大师、将其作品留存于美术馆中供后世瞻仰，但我们仍可以通过勤奋练习使画技不断精进，而这也正是这本书的目的所在。不过在开始之前，还是让我们先来简要回顾一下绘画的历史。

绘画简史

留存至今的史前岩画（西班牙、南法地区、澳大利亚、泰国、马来西亚、印度尼西亚及缅甸等地都可以看到）很可能是处于宗教目的而创作的。这些岩画与现在面向公众的作品不同，只有特定的人才可以欣赏。公元前3800年的古埃及绘画也并非为大众所作，甚至不是为活人所作，因为这些画作的主要目的是庇佑陵墓中权贵的灵魂顺利进入来世。古埃及画家从4岁便开始接受绘画训练，学习如何按照《亡灵书》的内容在墓室墙壁或莎草纸上描绘来世的生活。古埃及绘画要求极其严格，其技艺延续数百年未曾改变。画家不允许表达自己的想法，仅仅是按照要求用芦苇笔刷蘸取颜料、在横带状的网格中进行创作。绘画所用的颜料均由天然矿物研磨制成，如木炭、蓝铜矿石和孔雀石。

虽然很多数千年前的绘画作品由于气候潮湿或颜料质量不佳而遭损毁，然而部分绘画却得以幸存，公元前79年因庞贝维苏威火山爆发而被埋没的庞贝和赫库兰尼姆古城的古罗马壁画即为一例。在罗马帝国时代，几乎所有室内及公共建筑的墙面上都有壁画装饰。这些壁画的创作过程极为繁复，画家需要依次在墙面上涂抹石膏、颜料和灰泥，画作的风格则变化多样，从写实细腻到粗犷梦幻均有涉猎。壁画的内容包括肖像、神话场景、庭院和风景。大约从公元1世纪开始，古罗马和古埃及画家开始在木板上以蜡画法（在颜料中加入蜂蜡）进行创作，这些木板会被覆盖在木乃伊之上，而画面的图案即为死者的写实肖像。

随着罗马帝国的衰亡，基督教势力逐渐兴起，画家逐渐开始被委任在教堂、建筑墙面及嵌板上绘制圣经题材作品。这一举动旨在以生动的画面向广大不识字的教众宣传基督教义。截至13世纪末，所有的西方绘画都是精心设计的、扁平化的，遵循拜占庭风格，画作内容趋向简明，以便让教众迅速理解画面内容。然而这一传统却被佛罗伦萨画家乔托﹒迪﹒邦多内（Giotto di Bondone，1267—1337年）所打破。在其创作的湿壁画和木板蛋彩画中，乔托开始关注情感的表达。通过画中人物自然的姿态与鲜明的色调对比，他为画面注入了前所未有的感情和体积感。在16世纪油彩发明之前，蛋彩一直是最主要的绘画媒介，然而在这之前，欧洲北部的画家就已经开始尝试用油而非蛋清来调配颜料。这一新兴的颜料调配方法也带来了绘画技法的革新，因为与蛋彩不同，油彩干燥的速度非常慢，所以在最终定稿之前，画家有充足的时间对画面进行必要的修改和调整。14—17世纪，欧洲进入了文艺复兴时期。“文艺复兴”（Renaissance）意为“重生”，因为在这一时期，意大利艺术家开始复兴古希腊和古罗马的艺术和文学。这一历史时期也见证了人文主义的兴起，人文主义是历史上第一次提倡享受人世的欢乐，而非将所有希望寄托于天堂或来世。文艺复兴如星星之火传遍欧洲，在这期间，艺术家们发展了卓越的创作技巧，而诸如线性透视和空气透视之类的重大艺术发现也相继涌现。这一时期涌现了众多杰出艺术家，桑德罗﹒波提切利（SandroBotticelli，1445—1510年）、列奥纳多﹒达﹒芬奇（Leonardo daVinci，1452—1519年）、米开朗基罗（Michelangelo，1475—1564年）和拉斐尔（Raphael，1483—1520年）即为其中的代表人物。

与此同时，亚洲也有着深厚的美术传统，我们在书法和版画中就可一窥其貌。在亚洲林林总总的艺术形式中，又以水墨画最为常见。与欧洲绘画不同，亚洲绘画并不重视写实，画家更注重传达的是优雅而风格化的意境美，在绘画方式上也更多采用不规则构图，并最大化发挥留白的作用，而从题材上来说，亚洲绘画深受儒家思想、道教和佛教的影响。公元1世纪，中国东汉时期的宦官蔡伦发明了纸（“蔡侯纸”）。这一革命性的发明以其廉价、易得的特性而迅速成为重要的绘画媒介之一（需要说明的是，蔡伦发明的纸在其后数百年中都属于奢侈品，直到13世纪，这一发明才开始传播到世界各国）。元朝画家赵孟（1254—1322年）开创山水画新画风，正是在他的影响下，山水画逐渐开始在中国艺术中扮演极为重要的角色。在彼时的印度，一种名为“蓝果丽”（Rangoli）的地画艺术也正在兴起。转至与中国一衣带水的日本，虽然在公元前10000年便孕育了艺术的雏形，但论其最具影响力、持续时间最久、最为知名的艺术形式，则无疑为浮世绘（“描绘浮华世事的画作”）。浮世绘诞生于17世纪下半叶的江户时代，对19世纪末西方的艺术与设计产生了深远的影响。最初，浮世绘全部用墨和颜料在纸上绘制而成，之后被精细的手工彩印替代，并最终演变为木质版画。

在17 世纪的欧洲，巴洛克艺术粉墨登场，这一全新的艺术运动获得了天主教会掌权者的支持，旨在反对宗教改革。卡拉瓦乔（Caravaggio，1571—1610年）即为这一时期的代表人物。他的画作直接取材于生活，对绘画对象的刻画极为写实逼真，并善于在作品中表现极具戏剧性的明暗对比。在当时的北欧，以约翰内斯﹒维米尔（Johannes Vermeer，1632—1675年）为代表的画家善于描绘生活场景，画作中栩栩如生的细节令人震撼。一个世纪后，一群以善于运用色彩而著称的画家新星从威尼斯冉冉升起，这其中的代表是乔瓦尼﹒巴蒂斯塔﹒提埃坡罗（Giovanni BattistaTiepolo，1696—1770年），如今我们可以在诸如西班牙王宫等众多宏伟建筑中欣赏到他创作的色彩异常绚烂的壁画。与此同时，对柔和色彩及婉转线条的追捧成为法国的时尚潮流，而这一潮流最终催生了全新的洛可可艺术风格。该风格的代表人物为弗朗索瓦﹒布歇（François Boucher，1703—1770年）和让-西梅翁-夏尔丹（Jean-Baptiste-Siméon Chardin，1699—1779年）。颇为奇怪的是，在接下来的法国大革命时期，洛可可风格逐渐演化为两种截然不同又联系紧密的艺术风格：新古典主义和浪漫主义。新古典主义从古希腊、古罗马艺术及文艺复兴运动中汲取灵感，代表人物为雅克-路易﹒大卫（Jacques-Louis David，1748—1825年）和让-奥古斯特-多米尼克﹒安格尔（Jean-Auguste-DominiqueIngres，1780—1867年）。与之相对，浪漫主义画家泰奥多尔﹒热里柯（Théodore Géricault，1791—1824年）和欧仁﹒德拉克洛瓦（Eugène Delacroix，1798—1863年）反对大卫那整洁、古典的绘画风格，而是将奔放的色彩与丰富的情感表达视为绘画中最重要的元素。

几个世纪以来，水彩一直是画家们常用的绘画媒介，而水彩画的发扬光大，则依赖于德国画家阿尔布雷希特﹒丢勒（AlbrechtDürer，1471—1528 年）。17世纪时，商业绘画开始萌芽，而固体水彩块的发明无疑是这一时期的重大突破。正因此，1750—1850年经常被称作“水彩画的黄金时代”。在当时的英国，随着铁路网的扩张，人们得以更便捷地欣赏自然风光。大众对风景审美需求的不断提升，促进了商业风景画的发展，并最终使英国成为水彩画最为流行的国家。这其中的代表人物为约翰﹒康斯太勃尔（John Constable，1776—1837年）和J.M.W.透纳（Joseph MallordWilliam Turner，1775—1851年）。与以往的画家不同，他们常常离开画室，直接在户外作画。与之类似，法国巴比松画派的画家也经常携带油彩到户外写生（但是会回到画室中完成作品）。正因为他们的活动范围主要在邻近枫丹白露森林的巴比松镇，所以被冠以“巴比松画派”。让-巴蒂斯特-卡米耶﹒柯罗（Jean-Baptiste-Camille Corot，1796—1875年）即为巴比松画派的一员，这些画家善于在作品中反映他们对自然的热爱。然而这一画派却在1839年开始受到冲击，随着摄影技术的问世，画家们不得不开始考虑如何与这一全新的技术相抗衡。

社会的变迁正在引领一场绘画革命。古斯塔夫﹒库尔贝（Gustave Courbet，1819—1877年）称自己为现实主义画家，因为他所绘制的内容完全来自生活所见，爱德华﹒马奈（ÉdouardManet，1832—1883年）也热衷于从身边日益现代化的社会中取材，这些变化都令习惯了新古典主义和浪漫主义的人们大为震惊，在此之前，大卫所描绘的是庄严、宏大的场面，而德拉克洛瓦则善于为画作赋予激情与戏剧感。1874年，一份法国报纸做出如下评价：“嘉布遣大道目前正在举办一场不妥协者画展，当然，也可以被称为疯子画展，具体情况参见本篇报道。如果您有闲暇并想找点乐子，千万不要错过这场展览。”

这一切变革的结果就是印象主义的到来。这一时期，一批画家开始以全新的方式作画：他们以短促、不连贯的笔触表现画面，使画面呈现写生般的效果；他们运用鲜艳的色彩来捕捉俗世中转瞬即逝的光影，并在创作过程中避免黑色的使用。这一全新的运动震惊了整个正统艺术界、评论界和公众，大家都认为他们的尝试过于激进。1841 年，另一项重要的发明—管状颜料诞生。在此之前，画家及他们的助手不得不在创作前研磨颜料，并将颜料保存在猪膀胱内。与之相比，管状颜料不啻为一项重大的进步。印象派画家着力于精准捕捉眼前的景象，为达到这一目的，该画派的画家—诸如皮埃尔-奥古斯特﹒雷诺阿（Pierre-AugusteRenoir，1841—1919年）和克劳德﹒莫奈就经常选择到室外创作。莫奈经常在一天中的不同时间描绘同一景物，以探究不同的光效如何影响景物的外观。正因为印象派画家善于以鲜艳的颜色和细碎的笔触呈现画面，如今我们才有机会欣赏到这些极具光感、绚烂夺目的作品。在着力捕捉光影的同时，印象派画家也在不断进行着探索。保罗﹒塞尚（Paul Cézanne，1839—1906年）在其作品中研究着空间的构造，而文森特﹒梵﹒高（Vincent van Gogh，1853—1890年）和保罗﹒高更（Paul Gauguin，1848—1903年）则在作品中注入了更多主观感受。到20 世纪初，巴勃罗﹒毕加索（Pablo Picasso，1881—1973年）、乔治﹒布拉克（Georges Braque，1882—1963年）等画家进一步发展了塞尚从多角度构建绘画对象的技法，并催生了立体主义这一全新美术流派。在立体主义风格作品中，观者似乎可以同时从多个角度观察绘画对象，又好像绘画对象在经过拆分之后被重新组合、堆叠在了平面的画布上。20世纪见证了绘画技法的不断创新，而这些技法不再追求逼真还原现实事物，因为不断发展的摄影技术完全可以填补这一空缺。在立体主义之后，野兽派、未来主义和表现主义相继诞生，交织发展，以亨利﹒马蒂斯（Henri Matisse，1869—1954年）、瓦西里﹒康定斯基（Wassily Kandinsky，1866—1944年）和埃米尔﹒诺尔德（Emil Nolde，1867—1956年）为代表的艺术家们不懈努力，探索着全新的绘画表现形式。

1913年，一群被称为“八人画派”的画家在美国纽约组织了当年的军械库展览会。这场展览的内容为欧洲和美国现代艺术，美国人在展览中第一次见识到了立体主义作品及其他充满新意的欧洲先锋艺术作品。第二次世界大战后，世界美术中心移步美国。杰克森﹒波洛克（Jackson Pollock，1912—1956年）、海伦﹒佛兰肯塔勒（Helen Frankenthaler，1928—2011年）等艺术家发展出了全新的美术风格—抽象表现主义。而随着德国化学家奥托﹒勒姆博士（Dr. Otto Röhm，1876—1939年）在20世纪40年代发明了丙烯酸颜料，画家在油彩之外又多了一种绘画媒介的选择。进入21世纪，随着表演艺术和装置艺术的兴起以及众多非传统材料在艺术领域的运用，绘画的地位似乎有所下滑，然而接下来我们又看到，越来越多的艺术家重新投入这一领域，以多样的技法、丰富的表现形式及不同材料的组合为绘画注入全新的活力。在他们身上，我们看到了深植于人类心中、难以磨灭的艺术追求。如今，画家们以前所未有的丰富画材进行创作，不同类型的颜料及绘画风格相继诞生，从具象到抽象、大画幅到小画幅、水性颜料到油性颜料，甚至是完全区别于过去的绘画材料和技法，这一切元素让绘画持续展现盎然的生机。

色彩

色彩是绘画最重要的组成部分之一，而在过去的两千多年中，色彩理论一直在绘画的发展中扮演着重要的角色。古希腊哲学家亚里士多德（Aristotle，公元前384—前322年）认为，彩虹的色彩源自云朵中雨滴对阳光的反射。一千多年后，约翰﹒沃尔夫冈﹒冯﹒歌德（Johann Wolfgang von Goethe，1749—1832年）在其著作中声称，光线是在穿过黑暗、受其不同深度影响而产生色彩的。在他看来，因为太阳呈现黄色，所以光线本身一定也是黄色的；因为夜晚的天空呈深蓝色，所以深蓝色即为“黑暗”的颜色。歌德还认为，黄色和蓝色可以混合出红色。他的色彩理论在一定程度上影响了后世的画家，如透纳、康定斯基和蒙德里安（Mondrian，1872—1944年）。

17世纪时，艾萨克﹒牛顿（1643—1727年）通过实验展示了太阳光可以通过棱镜被折射成可见光谱。他进一步将可见光谱的颜色分为7种基础色，并以此绘制了包含这7种颜色的色轮。后来，随着色彩理论的发展，这一色轮逐渐被简化为6种颜色。也是在这个世纪，画家们发现通过混合“原色”，即红色、黄色和蓝色可以调配出几乎所有色彩，而白色和黑色则可用于调节色彩的明度。两个世纪后，法国化学家米歇尔-欧仁﹒谢弗勒尔（Michel-EugèneChevreul，1786—1889年）提出了色彩的“同时对比”法则。这一发现源于他对挂毯的研究。在担任巴黎哥白林挂毯厂主任期间，谢弗勒尔被委派解决编织挂毯色彩不够鲜艳的问题。通过研究，他发现问题并不在于色彩不够鲜艳，而在于色彩的排列。如果将一对互补色，即色轮上位置相对的两种色彩组合在一起，两种颜色都会显得更加鲜艳。谢弗勒尔的互补色排列理论备受追捧，先后被印象派、新印象派和后印象派的画家所参考和借鉴，对之后的画家也产生了深远的影响。

最终，人们意识到，色彩不仅与光线有关，也与色彩感知力紧密联系。当白光照在物体表面时，物体吸收一定波长的光线，并反射其余的光线。虽然印象派画家最早在作品中研究光效，但其实很久之前画家们就已经致力于制造最鲜艳的色彩了。举例来说，在古埃及，人们通过混合石灰石、石英（砂）和孔雀石一类的含铜矿物，制造出一种被称为“埃及蓝”的鲜艳颜料。后来，由天青石制成的群青成为最优质、最昂贵的颜料，这种矿石主要产自阿富汗。直到19世纪晚期，天然群青才被法国化学家合成出的人工群青颜料所代替。从18世纪末到19世纪初，以镉和铬为原料的人工颜料相继诞生，这些新颜色不仅充实了画家的调色盘，也促进了他们在绘画方法和主题方面的转变。1856年，年仅18岁的英国化学家威廉﹒亨利﹒珀金（William Henry Perkin，1838—1907年）在合成用于治疗疟疾的奎宁时，意外发现了一种具有浓郁紫色的苯胺化合物。珀金说服他的父亲和哥哥将这一化合物制成染料并进行销售，于是便有了如今我们所熟知的苯胺紫（苯胺紫的英文mauve源自法语，意为锦葵）。珀金发明的苯胺紫在之后几年里一炮而红，成为当时最时髦、应用最广的颜色，正因此，整个19世纪90年代也被称为“紫色时代”。随着工艺的发展，合成颜料变得越来越安全可靠，而化学家对颜料的合成方法也愈加熟稔，到现在几乎可以合成出任何色彩。

透视

除了色彩之外，画家还可以运用各种技巧来增加画作的真实感。如果想让画面具有栩栩如生的景深感，线性透视和空气透视就是必不可缺的技巧。1435年，意大利艺术家莱昂﹒巴蒂斯塔﹒阿尔贝蒂（Leon Battista Alberti，1404—1472年）在其著作《论绘画》（Della Pittura）中第一次提出了线性透视。线性透视是一种基于数学的绘画技巧，根据几何透视近大远小的原则，在画面上重现三维空间中的视觉效果。在《论绘画》中，阿尔贝蒂深入探讨了透视原理、绘画的构图与用色，在此之后，大多数西方画家都践行了他所提出的观点。虽然后来这一传统理论受到了立体主义的挑战，但线性透视和空气透视仍是在二维平面上表现三维事物的最有效的技法。通过学习并在创作过程中运用这些技法，我们就可以增强作品的立体感，更准确地在画面中还原现实世界。

学习绘画

绘画的一个特点很有趣，就是当我们还小的时候，人人都是画家。如果你让小朋友画一幅画，比如画一个消防栓、一匹马或者他们自己，他们通常都信手拈来，毫不费力。但等他们到了13岁再让他们画画，他们多半会犹豫不决，或者直接拒绝。这是因为到青春期的时候，孩子们已经有了明确的“自我”概念，很担心因为画不好而被嘲笑。随着我们不断长大，自信心也在发生着变化，很多时候虽然有拿起画笔的冲动，但一想到自己没有专业经验，就又变得畏缩不前。年龄的增长让我们更加害羞内敛，而这份心理压力也阻止了探索与进步—甚至只是从绘画中收获快乐。不过，当你欣赏完这本书中跨越不同时代、性别、观念、国籍和年龄的画家的杰作之后，就会意识到，绘画完全没有对错之分，事实存在的是变化多样、异彩纷呈的绘画方式，这些绘画方式因为你运用的颜料、选择的主题、对色彩和构图的把握而散发别样的魅力。绘画应该是一种享受，而绘画技巧也完全有迹可循，正是遵循这些技巧，画家们才得以不断提升技艺、激发创造力。学习绘画的第一步就是学会观察。我们要留意光如何映照在物体表面、物体如何运动，以及颜色的变化规律。除此之外，还应该留意身边的线条、空间、形状、明暗对比和色彩。最好随身带一册写生簿，这样可以随时记录眼前所见。除此之外，你还可以到美术馆去，探索其他画家是如何看待和描绘他们眼中的世界的。

关于本书

纵观整个美术史，临摹名家作品一直是画家提升绘画水平最有效的方法。过去，打算学习绘画的人会在名家的作坊里做学徒，或者在画家工作室或艺术学校中接受画家的指导，当然，在这个过程中最重要的还是临摹画家的作品。许多著名画家还做过“仿画师”，即拥有资格证书、专门在大型美术馆中模仿名作的工作。1862年1月，正是仿画师这份工作才让爱德华﹒马奈有机会在巴黎卢浮宫中遇到埃德加﹒德加（Edgar Degas，1834—1917年）。旧时的画家在创作时总是严格遵循着所谓的绘画“规矩”，而当代艺术家却倾向于发掘更具个人特色的视觉语言。然而即便如此，临摹大师作品这一悠久的传统仍为各路画家所认可。每个人都可以从大师的作品中收获良多，这些作品中的绘画技巧、画材选择、绘画主题，甚至是线条的运用都可以为我们带来启发。通过钻研这些作品，我们的观察力将变得更加敏锐，对色彩、物料和透视的理解会更加深刻，灵感也会愈加丰沛。这便是这本书的创作目的。通过研究100位画家的100幅作品，我们将深入分析他们独特的创作技巧，并探究这些作品何以闻名于世，以及我们能从中学到哪些相关知识。这些作品涉及不同的风格、技法和画材，而与之对应的画家也各具特色，有着截然不同的创作偏好和创作意图。尽管如此，每幅作品都承载着一目了然的视觉元素，这将是我们学习的关键。举例来说，克劳德﹒莫奈于1916年创作的《睡莲》（见148页）体现了他捕捉光线的技巧。这一技巧源于他对欧仁﹒布丹、葛饰北斋、约翰﹒巴托尔德﹒荣金德（Johan Barthold Jongkind，1819—1891年）、爱德华﹒马奈等大师作品的研习，在经过加工之后以全新的风貌出现在莫奈自己的作品中。在乔治亚﹒欧姬芙（Georgia O’Keeffe，1887—1986年）创作的《曼陀罗》（见182页）中，我们将重点研究她的用色和绘画对象的形状，以及她如何通过安排这些元素传达自己的艺术理念。从整体上讲，本书研究的是全球最知名画家的绘画技巧，这些作品横跨15—21世纪，涉及绘画的各种形式与材料，包括水彩、丙烯酸、蛋彩、湿壁画、油彩、蜡画和混合材料。我们将了解每幅作品的绘画对象、风格、所用画材、创作过程、创作意图，以及它们涉及的色彩、专业技巧及创新性。除此之外，我们还会对画家背景、学习方式等必要的内容进行介绍，这样做的目的是帮助你从名作中汲取灵感，并应用于自己的创作之中，当然，如何借鉴这些作品完全由你决定。你可以把本书用作绘画指南、信心触发器、工具书—或者仅仅是一本画册！因为书中画家们运用的都是极具个人特色的技巧，所以我们不会给出对应的练习及需要遵守的规矩，你看到的只有启发、建议和介绍。这就像是100位名家站在你身旁，为你献上个人的创作经验与建议—你将经历一堂异彩纷呈的绘画大师课。

你还可能感兴趣

我要评论